Jornada de Puerta Abiertas en el Laboratorio de Música Electroacústica, centro de creación musical ubicado en el Conservatorio Jesús Guridi. Centro pionero en la utilización de las nuevas tecnologías aplicadas a la música. El año pasado celebraron sus 25 años de existencia y en esta ocasión será una buena oportunidad para el público conocerlo de cerca.

IÑIGO BREGEL
Este año las olivas vienen tarde *
contrabajo y electrónica (5’00)

GÉRARD GRISEY (1946-1998)
Prologue (1976)
viola & resonadores (16’58)

NACHO FERRANDO (1982*)
Eclec III *
2 guitarras & electrónica (6’55)

ORM FINNENDAHL (1963*)
Versatzstücke (1999-2002)
piano & electrónica en 6 canales (23’00)

* estreno absoluto

Imanol Martínez Hervias, viola
Amaiur Cajaraville, contrabajo
Aitor Ucar, guitarra
Jorge Ferrando, guitarra
Alfonso Gómez, piano
Ignacio Monterrubio, difusión electroacústica
Koldo Sagastume, sonorización
Alfonso García de la Torre, dirección artística

TALLER CIRCUIT BENDING
FECHAS: 10-11 de Marzo
HORARIO: Sábado 10-14 y 16-20 Domingo de 10-14
MATRÍCULA: 15€
INFO SOBRE QUÉ JUGUETE TRAER: pincha aquí
INSCRIPCIONES: 945.282400 – espaciosinkro[arroba]gmail.com
Nº DE PLAZAS: 12
LUGAR: C.C. Montehermoso (Vitoria-Gasteiz)

La finalidad del taller es la de dotar a cada participante con los conocimientos teóricos y la práctica necesaria, para que una vez terminado el taller, sepan modificar un circuito electrónico en su propio estudio. No es necesario tener conocimientos previos de electrónica. Se enseñarán los conocimientos de electrónica necesarios, y se ejercitará con igual importancia, la observación y deducción necesarias, tanto a nivel técnico como aural, para la fabricación de instrumentos musicales según los criterios personales de cada participante.

¿Qué es Circuit Bending?
Circuit Bending es la modificación creativa, a base de cortocircuitos, de aparatos electrónicos de bajo voltaje –juguetes, pedales de efectos, etc….– con el fin de crear nuevos instrumentos musicales y generadores de sonido.
Normalmente los aparatos que se modifican no son nuevos, sino previamente usados, comprados en tiendas de segunda mano, o encontrados olvidados en el sótano o la basura. Estos productos desechados por la sociedad se modifican y adquieren una nueva vida, ajena a la pensada por el fabricante original. Así por ejemplo, aunque los aparatos que se modifican no están asociados a la producción musical, estos acaban siendo utilizados como instrumentos en ciertas formas de música experimental contemporánea, aleatoria e improvisada. Aunque hay practicantes que modifican circuitos nuevos, se puede decir que en su práctica más ortodoxa, el Circuit Bending es un reciclamiento de la basura electrónica de nuestra sociedad.
Fue el pionero Reed Ghazala, a finales de los años sesenta, quién dio nombre a esta práctica, en la que dos puntos de un circuito electrónico se conectan por medio de un cable, de manera que la corriente fluya de un punto al otro. Haciendo cortocircuitos, el practicante busca sonidos interesantes y ajenos a los ya existentes en el diseño original del circuito. Es una búsqueda experimental y creativa, a base de tanteos y probando diferentes uniones entre unos puntos y otros.
Los aparatos que más se modifican son los juguetes electrónicos que funcionan con pilas y son de bajo voltaje (unos 6 voltios). Por un lado, sus circuitos a menudo se prestan muy bien a ser modificados con interesantes resultados, y por el otro, no suponen un peligro de electrocución para el practicante en el momento de la modificación, del performance o en su utilización como generadores de sonido, siempre y cuando se utilicen con pilas.
El azar y la espontaneidad juegan un papel muy importante en la búsqueda de sonidos interesantes, siendo el resultado muchas veces muy personal dado que cada practicante tiene un concepto propio de lo que son “sonidos interesantes”. Es a base de probar y cometer errores, de una manera no científica, que el practicante acaba con un aparato que se caracteriza, entre otras cosas, por su aleatoriedad e inconsistencias. No se necesita, y muchas veces no se puede, saber a priori el resultado de las modificaciones, y los conocimientos previos de electrónica pueden ser básicos o mínimos. Es en este punto, donde el Circuit Bending adquiere cierta particularidad al hacer uso del azar en las modificaciones de circuitos electrónicos.

Consideraciones respecto al taller

Para la participación en este taller no hay necesidad de conocimientos previos de electrónica. Durante el taller, se enseñará los conocimientos necesarios.
En el taller se cubrirán los contenido abajo descritos, y cada asistente modificará el circuito que haya traído.
Con el fin de enfatizar la naturaleza de reciclaje del Circuit Bending, se invitará al participante a traer sus propios juguetes o dispositivos electrónicos ya usados o de segunda mano (no nuevos), si es posible. Al final del taller, el participante tendrá un dispositivo modificado por él mismo según las técnicas del Circuit Bending. El dispositivo a modificar ha de funcionar con pilas y ser de bajo voltaje (9 voltios máximo).
El coste de los materiales es de aproximadamente 10 euros por participante, los cuales normalmente se incluyen en el precio de la matrícula.
12 participantes máximo.

Objetivo y duración del taller.
En el taller de Circuit Bending, se modificará un circuito electrónico de bajo voltaje, el de un juguete que tiene unos 6 voltios aproximadamente (sin peligro de electrocución para el practicante), haciendo cortocircuitos, con el fin de conseguir sonidos personales y ajenos a los ya existentes en el dispositivo original. La finalidad del taller es el dotar a cada participante con los conocimientos y práctica necesarios para que una vez terminado el taller, el/ella en su propio estudio sepa modificar un circuito electrónico siguiendo las técnicas del Circuit Bending.

JUAN MATOS CAPOTE
Es un artista de las Islas Canarias (Santa Cruz de la Palma, 1966) que actualmente vive en Barcelona desde el año 2008, después de vivir trece años en la ciudad de Nueva York. Ha estudiado Circuit Bending con el pionero, y padre de la disciplina, Reed Ghazala en Cincinnati, Ohio, EEUU, y técnicas de Deep Listening con la compositora e intérprete Pauline Oliveros en Nueva York y Girona.
Posee el título de Master of Fine Arts Degree (M.F.A.) por Pratt Institute, Brooklyn, Nueva York, y ha sido el recipiente de una beca Fulbright. Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La laguna (Tenerife, Islas Canarias) y estudió durante dos años en el National Higher Institute for Fine Arts en Amberes, Bélgica, tras serle concedido por dos veces consecutivas la beca del proyecto Erasmus.
Ha impartido diversos talleres de Circuit Bending en EEUU. En Europa, ha impartido diversos talleres de Circuit Bending en:
• STEIM (STudio for Electro Instrumental Music), Ámsterdam, The Netherlands, Junio 2011.
• La Farinera del Clot (durante el Festival Storung 6.0), Barcelona, Abril 2011.
• Circuit Torçat, Barcelona, 2011. • Can Xalant (Centre de Creació i Pensament Contemporani de Mataró),
2010. • Miscelanea, Barcelona, 2010. • Escola Superior de Disseny (ESDI), Sabadell, 2009. • Hangar, Barcelona, 2009. • Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), 2008. • etc.
Ha impartido conferencias sobre el tema en eventos como la Eweek Vic (Vic, Cataluña), Festival Hydrophonia (Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona), Escola Superior de Disseny – ESDI (Sabadell), etc.
Ha participado en diversos festivales de música en radio y en vivo. Ha actuado, entre otros, en STEIM (STudio for Electro Instrumental Music) (Ámsterdam); Festival REMOR 11 (Girona); Festival Storung 6.0 (La Farinera del Clot, Barcelona); Display @ Transmediale 11 (Instituto Cervantes, Berlín); Festival Sónar 2010 (MACBA, Barcelona); Optosonic Tea – Festival Loop 09 (Espai Ubu, Barcelona), Hydrophonia 2010 (La Farinera del Clot, Barcelona), Tune (Outside))) 07 (Free103point9 Transmission Arts Center, Nueva York), etc.
En sus conciertos hace uso de circuitos electrónicos, que ha creado y modificado (juguetes, radios, osciladores, pedales), y grabaciones de campo. Muchos de sus circuitos se caracterizan por comportarse de una manera aleatoria, y a la vez controlable.
Su próxima publicación en formato CD, Umbra, se editará en el sello del Reino Unido, Entr’acte, el cual consta de varias piezas sonoras en las que utilizó osciladores de fabricación propia y una radio AM modificada según las técnicas del Circuit Bending. Sus obras visuales se han exhibido en Europa, Norte América, Australia y Africa. Sus últimas exposiciones fueron en Dak’art Biennale OFF 2008 en Senegal, en el P.S.1 (MoMA) en Nueva York y en el Centre d’art La Panera (Lleida). Próximamente, Junio 2011 – Septiembre 2011, expondrá en La Casa Encendida (Madrid) en Después del Silencio, una exposición comisariada por Pedro Portellano, junto a obras de John Cage, Stephan Vitiello, Nicolas Collins, etc.
Fue el fundador del Ciclo HUM, una serie de performances sonoros mensuales que tuvieron lugar desde Noviembre de 2010 hasta Diciembre de 2011 en la sala el OFF en Barcelona y del espacio, actualmente activo, Circuit Torçat en Barcelona.
ENLACES:
http://www.circuitbendingbcn.com
http://www.juanmatoscapote.net

SÁBADO 3 – MARZO
20:30 - Artium
Concierto Percusión, electrónica y vídeo

PUNTO CERO es un grupo de artistas comprometidos con la creación colectiva en tiempo real. Emplean una variedad de medios para crear obras que cambian en cada actuación, en las que la presencia y contribución de cada artista son fundamentales. Punto Cero, presentó su primer trabajo en Septiembre de 2011 en la Primera Edición del Festival de Audio Tangente de Burgos.

LUIS TABUENCA
Percusionista-improvisador. Ha colaborado con múltiples artistas y realizado giras por Europa, Asia y América, tocando en diversos festivales como el Münstersommer Summer Festival (Freiburg, Alemania), Monday Evening Concerts (Los Angeles, EEUU), Newbury Spring Festival (Newbury, Inglaterra), LUX Festival (Sevilla, España) o el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante. Ha grabado para Aural Terrains, Verso, Mode Records, RTVE, RAI y Radio Nacional de Cataluña. (http://www.luistabuenca.com)

WADE MATTHEWS
Wade Matthews (grabaciones de campo, síntesis digital), compositor e improvisador veterano activo en la escena internacional, Matthews ha actuado en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Centro Nacional de las Artes de México D.F., el Museo Reina Sofía de Madrid y en festivales y ciclos de conciertos en París, Londres, berlín, San Francisco, Nueva York, Dublín, Buenos Aires, Beirut, barcelona, Montevideo, etc. (http://www.wadematthews.info ).

ADAM LUBROTH
Adam Lubroth (imágenes fotográficas proyectadas con manipulación analógica en tiempo real), fotógrafo profesional desde hace más de treinta años con una sólida reputación que incluye los premios Magnum y ARCO para su trabajo artístico y conceptual. Sus fotos también han aparecido en la prensa internacional, incluidas TIME, Newsweek y le Nouvel Observateur, entre otras. (http://www.adamphoto.es ).

AKUSMA 12, propuesta singular de luz y sonido, protagonizará el primer concierto del Festival Sinkro 2012. Una selección de obras acusmáticas del panorama internacional. Cita ineludible para aquellos que quieran descubrir nuevas experiencias perceptivas gracias a un sistema acústico de 16 canales de proyección sonora instalado en el auditorio del Conservatorio.

Programa / Egitaraua

Mirjam Tally
Blow (2005)

Daniel Velasco
Ibilian (2012)

Zuriñe F.Gerenabarrena
Flaxa (2011)

Xabier Otaolea
Contact (2012)

Arturo Moya
Obra a punto de ser engullida por todo lo demás(2007-11)

Jagoba Astiazaran
Negra Sombra (2012)

Jesper Elén
Bird Watching ( 2008)

Fernando Mz. de Eredita, iluminación
Koldo Sagastume, sonorización
Zuriñe F. Gerenabarrena, difusión electroacústica
Alfonso García de la Torre, dirección artística

Mirjam Tally (1976)
Sound is central in Tally’s creations. Her music is a flow of playful contrasts where a sense of humour and poetic use of
sound are blended to mix. Her earlier works are mainly for chamber ensembles and electronics. In recent years, importance of orchestral music has increased in her oeuvre. She has graduated from the Estonian Academy of Music as a
student of Lepo Sumera in 2000. Since 2006, Tally lives on the island of Gotland, sweden. She had her international breakthrough in 2008 at the ISCM’s World New Music Days with her orchestra work Turbulence. (later played at the Venice Biennale and selected as a recommended work at Rostrum), a work for which she was awarded the Lilla Christ Johnson Prize in 2008. In 2009-2010, she was Composer in Residence at Swedish Radio P2 channel.
Blow (2005)
The electro-acoustic composition “Blow” (2005) is created in Studio Alpha at Visby International Centre for Composers. In this piece I picked out some more characteristic sounds from my everyday environment: bottle blowing, heavy rain-drops on my window, pizzicato of wine-glasses… and developed these sound sources further to imaginary “blowing-landscape” where a wind never becomes silent. So, the key question is – to listen to the world and notice these “noises” of everyday life. I often follow this principe when I work with electronics. And every sound could be treated as music. I think, if you are a composer, it´s important to listen to the world what surrounds us and really live with open ears. And – pick up these sounds for your music.
Daniel Velasco (1976)
Dani Velasco nace en Pamplona en 1988. Desde pequeño muestra interés por la música y a los siete años comienza su formación musical, obteniendo el Grado Medio de violín en el Conservatorio ‘Pablo Sarasate’ de la misma ciudad en 2010.
Sus experiencias musicales durante estos años transcurren en diversos ámbitos (clásico/académico, música folk, ska, de cantautor, rock indie…) en los que va desarrollando una vocación por la creación musical, la pedagogía y la improvisación.
Actualmente estudia Composición en el Centro Superior de Música del País Vasco.
Ibilian (2012)
Tras los pasos que obedecen la batuta del horario cotidiano, en el recuerdo del que viaja, desnudando a quien acude expresamente a visitarla, en el alma de cualquier fiesta… No sé si la Música se crea o se destruye, pero sí creo que se transforma, y pueden ser infinitos los estados en los que se nos hace presente… ‘Ibilian’ busca una microscópica representación de esta infinitud.
Zuriñe F. Gerenabarrena (1965)
Estudia composición con C.Bernaola en el Conservatorio J. Guridi de Vitoria y Franco Donatoni en la Scuola Cívica de Milan.
Acude a diversos seminarios: Darmstadt, LIEM, IRCAM, iMAL… Artista residente del Laboratorio LEC (Lisboa 2010), USF/Verfet (Bergen, Noruega 2010), VICC (Visby, Suecia 2011).
Compositora versátil, cuenta con obras que van desde encargos para solista, orquesta sinfónica, teatro, orquestaciones de música de cine y electroacústica hasta proyectos multidisciplinares. Presente como autora y realizadora en foros internacionales: Festival Bernaola. SINKRO, Musikaste, Festival Shyntése, Sonoimágenes, “Visiones Sonoras”, EmuFestival, Quincena Musical, ENSEMS, Inauguración Museo Guggenheim, Auditorio Nacional, Auditorio400(Madrid), Academia Sibelius (Finlandia), Teatro Groggia (Venezia), E-Werk (Friburgo), Música Viva, Wealr09Universidad de Fullerton (California), Elektrophonie/Nuit Bleue (Besançon), Kleiner Konzertsaal, Festival de Alicante, Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea (Fundación BBVA), Fonoteca Nacional (México D.F.)… Combina la creación con la enseñanza de Armonia y Contrapunto en MUSIKENE (Conservatorio Superior de Música País Vasco).
Flaxa (2011)
Flaxa (“Volátil” en idioma sueco) es una obra multicanal realizada en el Studio Alpha de VICC, Visby (Suecia), durante el periodo de residencia en 2011.
Obra cuyo material sonoro predominante es la voz. Partiendo de un extracto de la obra de teatro “La vida es sueño”de C. de la Barca, desde el inicio la voz impulsa la obra en su recorrido entre el lenguaje y el paisaje sonoro, utilizando relaciones poéticas sobre las diferentes emisiones de la voz como universos que cubren todo el proceso de la obra con la intención de introducir al oyente en un espacio suspendido en el límite del lenguaje y el sonido puro.
Xabier Otaolea (1989)
Estudió en el conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga donde comenzó los primeros pasos de la composición con Carmen Calzada; Poco después empezó a tomar clases con Hilario Extremiana con quien empezó a tener verdadero interés por la composición.
Actualmente estudia en Musikene (centro superior de música del País Vasco) con los profesores Gabriel Erkoreka, Ramón Lazkano, Zuriñe F. Gerenabarrena y Guillermo Lauzurika, con quien toma contacto con la música electroacústica.
Contact (2012)
Es una obra electrónica que se basa en el sonido resultante entre el choque de un objeto con otro y de la manipulación mediante programas informáticos de éstos últimos. También incorpora sonidos electrónicos de un teclado así como sonidos ambientales propios de una casa.
Arturo Moya (1966)
http://www.arturomoyavillen.com. Su formación como compositor es debida primordialmente a Gabriel Brn_i_, con quien estudia en el laboratorio de la Fundació PHONOS de Barcelona composición para instrumentos tradicionales y medios electroacústicos, así como las técnicas de grabación, síntesis, proceso y espacialización del sonido. Obtiene el título de Master en Creación y Tecnologías del Sonido por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona con el apoyo de una beca de la SGAE. Becado asimismo por el organismo europeo CITE/COMETT, estudia las técnicas del live-electronics en IRIS (Istituto per la Ricerca della Industria dello Spettacolo), con Giuseppe di Giugno. Profesor Superior de Lenguaje Musical, Transposición y Acompañamiento por el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona completa su formación asistiendo a cursos de composición con L. Nono, H. Vaggione, F. Kroepfl, W. Zimmermann, D. Felder, Ch. Wuorinen, C. Zulian, E. Polonio, A. Nuñez o J. M. Berenguer, entre otros.
Ha sido presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España, co-director del XI, XII y XIII Festival Internacional de Música Electroacústica “Punto de Encuentro”, jurado en concursos internacionales de música electroacústica y comisario de los ciclos de instalaciones multicanal “Expansión Sonora”, dentro del Circuito Electrovisiones en la Fonoteca Nacional de México.
Sus obras (para instrumentación tradicional, electroacústica o mixta), instalaciones, intervenciones, videos y performances han sido presentadas en auditorios y museos de España, Italia, Chile, México, Argentina, Cuba, Estados Unidos, Francia, Bélgica, Inglaterra y Alemania.
En la actualidad es director del Ensemble S´il Beuys Plight, forma parte del colectivo interdisciplinar Frame On Frame, produce instalaciones sonoras con Miguel Copón bajo el nombre de ¿Cómo?, prepara la salida al mercado de la editorial S1N, dedicada a la música electroacústica y el arte sonoro, presenta y difunde conciertos octofónicos y es comisario de música experimental, arte sonoro y conciertos multicanal del Circuito Electrovisiones.
Obra a punto de ser engullida por todo lo demás (2007-11)
La obra se sitúa en el límite de ser obra, de ser percibida como una estructura sonora organizada temporalmente, en un lugar intermedio entre el campo general de estímulos acústicos y las señales con intención comunicativa*. Golpes y rozamientos repetidos, más utensilios que instrumentos, grabados sin sincronía impuesta y en secuencias largas, libres de manipulación compositiva, configuran un paradójico paisaje sonoro, saturado, inhabitable, dominado por la varietas de los encuentros casuales entre los materiales. En esta obra de adelgazamiento de la figura del compositor, la operación se centra en encontrar grados de presencia y persistencia que abran al máximo las escuchas transversales y equilibren el diferente peso de los sonidos en la memoria. *Clasificación propuesta por Gabriel Brn_i_.
Jagoba Astiazaran (1986)
Obtiene en el 2008 el título superior de música en la especialidad de instrumentos de la música tradicional y popular en Musikene. Compagina sus estudios de Composición con su trabajo en la Banda Municipal de Txistularis de San Sebastian, e impartiendo clases en la Escuela Municipal de Música y Danza de San Sebastián. Recientemente ha sido galardonado con el premio Orfeón Donostiarra/UPV por su trabajo de investigación “Vatikanoko II. Kontzilioa eta euskal musika eta instrumentu tradizionalak”.
Negra Sombra (2012)
Cando penso que te fuches,
negra sombra que me asombras,
ó pé dos meus cabezales
tornas facéndome mofa.
Cando maxino que es ida,
no mesmo sol te me amostras,
i eres a estrela que brila,
i eres o vento que zoa.
Si cantan, es ti que cantas,
si choran, es ti que choras,
i es o marmurio do río
i es a noite i es a aurora.
En todo estás e ti es todo,
pra min i en min mesma moras,
nin me abandonarás nunca,
sombra que sempre me asombras.
Rosalía de Castro (1880)
Jesper Elén (1957)
(b. 1957 in Arild-Suecia) studied percussion at Malmoe Academy of Music under prof. Bent Lylloff and Ed Thigpen 1976-81. Afterwards, private studies in New York with Buster Bailey of the New York Philharmonic. Worked 18 years as a professional freelance percussion player with several Swedish and Danish symphony orchestras and 1976-82 also with the Malmö Percussion Ensemble. Worked as a jazz drummer with Equinox, Helge Albin’s and Tomas Franck Quartets as well as his own group, The Grand Band, playing mostly original compositions. Lived in Copenhagen 1983-92 and worked with symphony orchestras as well as a big part of the Danish jazz elite.__Studied composition with Sven-David Sandstrom 1995-97. Also studied composition with Erik Jorgensen. Jesper works at Gotland School of Music Composition and at the Visby International Centre for Composers as studio manager. Recent years he has worked exclusively with electro-acoustic music.
Bird Watching (2008)
Many composers have used bird song as an inspiration, like Messiaen for instance. I felt that the melodic aspect of the bird song has always been the main focus so I wanted to zoom in on the percussive side of the birds. To put emphasis on the rhythms I have used various percussive sounds, both sampled drums and synthetic with physical modeling and other techniques. All rhythms in the piece are triggered from bird song recordings, so it’s really like the birds are playing the drums, sometimes solo but mostly singing along with their drumming.

sábado 12 / Marzo 20:00h
Escuela de Música Luis Aramburu
SIRIUS
live electronics + improvisation

“SIRIUS” surge en el año 2008 por iniciativa de tres compositores: Alfonso García de la Torre, Ignacio Monterrubio y Guillermo Lauzurika, que decidimos juntarnos para formar un grupo donde hacer música electroacústica en vivo y en interacción con otras disciplinas artísticas, en donde cada miembro del grupo respondiera a las propuestas de los demás, a la manera en que trabaja, por ejemplo, un grupo de jazz.

El espacio donde se define la creación es el ensayo, donde jugamos, respondemos, improvisamos, interactuamos con lo que hacen los demás miembros del grupo, ya sean sonidos, imágenes, movimientos, palabras, luz. A veces partimos de ideas previas, pero otras veces simplemente jugamos. Todos los ensayos se graban, para posteriormente seleccionar lo que funciona y eliminar lo que no. Se habla, se ordena el material y se define la composición y la acción. Por lo tanto la improvisación tiene un papel importante, tanto en el proceso de creación de la obra como en su ejecución en público, ya que aunque la estructura sea cerrada, los tiempos y el desarrollo de la acción son abiertos

Guillermo Lauzurika, sintetizador y sampler
Compositor, pianista, director artístico de grupos de jazz. Ha realizado numerosos proyectos de creación:
composición, electroacústica, instalaciones, música experimental, improvisación, danza. Profesor de electroacústica en Musikene (San Sebastián) y director de la Big Band Berri (Vitoria-Gasteiz), participa y promueve a su vez en numerosas actividades musicales contemporáneas.

Ignacio Monterrubio, max/msp & laptop
Especializado en composición y programación con el entorno de trabajo Max/Msp. En la actualidad trabaja como artista sonoro explorando las diferentes posibilidades dentro del género de la música electroacústica y sus combinaciones con otros estilos y disciplinas artísticas. Forma parte del proyecto Espacio Sinkro, colectivo de artistas y creadores de Vitoria-Gasteiz; del grupo SIRIUS, de música experimental; del comité asesor de la sección musical de “KREA” Expresión Contemporánea; y del proyecto “Laboratorio Sonoro”, donde se integran música, educación y nuevas tecnologías.

Alfonso García de la Torre, sintetizadores analógicos
Gran parte de su trabajo gira alrededor del estudio y análisis del sonido, con el objetivo de aplicarlo tanto en la composición como en la interpretación. Presta especial interés a los procesos de percepción auditiva, a la perspectiva sonora a través de la dimensión espacial y temporal. Surgen de esta forma obras electroacústicas que tratan de exponer estas inquietudes, en ocasiones fruto de la colaboración con otras disciplinas artísticas.

SÁBADO 12 / MARZO 20:00h
Escuela de Música Luis Aramburu
ENDPHASE
live electronics + improvisation

endphase 18 – mixed cities

Esta performance tomará como punto de partida la idea de la interacción llevada al extremo: mientras dos performers estarán en Vitoria realizando la performance ante el público asistente, un tercero enviará en tiempo real datos recogidos durante un paseo por la ciudad austriaca de Linz en el mismo momento de la performance. Estos datos (posición gps, luz ambiente o volumen sonoro) serán utilizados como variables que transformarán y modularán aspectos sonoros y visuales de lo que en el mismo momento se está tocando en Vitoria.

Una proyección a base de diferentes imágenes de los lugares por donde el performer de Linz vaya pasando servirá también de base de sugestión (tanto para el público como para los performers de Vitoria) sobre la que se construirá este discurso de ciudades mezcladas. El material sonoro empleado utilizará una mezcla de sonidos capturados en algunos de los lugares por los que transcurra el paseo de Linz, de sonidos de la ciudad de Vitoria y otros sonidos urbanos menos específicos.

ALBERTO BERNAL Y JOÃO PAIS
ENDPHASE

Endphase: improvisación electroacústica conceptual.
El proyecto Endphase nació en 2003 como iniciativa de los compositores Alberto Bernal, João Pais y Johannes Kreidler, relevado en 2008 por el artista Enrique Tomás. La finalidad principal del proyecto se fundamenta en una búsqueda más allá de cierto tipo de condicionantes musicales tradicionales; junto a aspectos estéticos, también otros de índole estilística o técnica, si es que pueden separarse como tales. A partir de tal impulso, la iniciativa trata de explorar la improvisación electroacústica conceptual como medio en el que determinadas ideas, conceptos y procedimientos artístico-musicales encuentran una vía de realización y superación.
Desde su formación, Alberto Bernal y João Pais han realizado juntos un gran número de performances, instalaciones y talleres en países como Alemania, España, Portugal, Holanda, Hungría, Holanda, Noruega o China.
www.endphase.net

ALBERTO BERNAL. Madrid (1978). Compositor de procedencia clásica y variadas influencias, con trabajos enmarcados cerca del punto de inflexión entre situaciones concertantes tradicionales y otros ámbitos como la instalación o la performance. Estudia Piano y Teoría en Madrid y Salamanca, trasladándose seguidamente a Alemania, donde estudia Composición y Música Electroacústica. Publica regularmente artículos en varios medios y realiza cursos y conferencias sobre composición, estética, análisis, y nuevos medios. Actualmente, compagina la actividad creativa con la enseñanza en el Conservatorio Superior de Música de las Islas Baleares y en el Aula de Músicas en Madrid, centro en el que creó el Aula de Música Experimental.www.albertocbernal.net

JOÃO PAIS (Lisboa, 1976), estudia Composición y Música Electroacústica en Lisboa, Friburgo (Alemania) y Londres con Mathias Spahlinger y Mesías Maiguashca. De 2003 a 2005 fue tutor del Estudio de Música Electroacústica de la Escuela Superior de Friburgo. Participa en cursos y seminarios con Emmanuel Nunes y Salvatore Sciarrino, entre otros. Entre 1997 y 2001 fundó y dirigió, junto a Diana Ferreira y Luís Antunes Pena, las “Jornadas Nova Música” de Aveiro. Actualmente vive y trabaja en Berlín.

PROGRAMA

AKUSMA 11, propuesta singular de luz y sonido, protagonizará el segundo concierto del Festival Sinkro 2011. Una selección de obras acusmáticas del panorama internacional. Cita ineludible para aquellos que quieran descubrir nuevas experiencias perceptivas gracias a un sistema acústico de 16 canales de proyección sonora instalado en el auditorio del Conservatorio.

Elsa Justel

Débris

Nacho Ferrando

Destino *

Vicente Rafael Carinola

Cielo Vivo

Diana Pérez Custodio

Juguetes de viento

Miguel Matamoro

Piano Sketches *

Stefano Scarani

Selip

Annette Vande Gorne

Ce qu’a vu le vent d’Est

* estreno absoluto / estrenaldi nagusia

Zuriñe Gerenabarrena, difusión electroacústica
Fernando Mz. de Eredita, diseño iluminación
Koldo Sagastume, sonorización

ELSA JUSTEL. Nacida en 1944 en Mar del Plata, Argentina, Justel inicia su carrera musical en el Conservatorio provincial de esa ciudad, obteniendo el título de Profesora superior de educación musical y Dirección coral. Mas tarde realiza estudios de Composición en Buenos Aires con los maestros Virtú Maragno, Sergio Hualpa y Eduardo Tejeda y luego de Medios electroacústicos con los profesores José Maranzano y Francisco Kröpfl. Previamente obtiene la Licenciatura en Periodismo y Ciencias de la Comunicación (en la Escuela de Ciencias de la comunicación de Mar del Plata) e incursiona en el campo de las Artes visuales. En 1988 se traslada a Francia donde obtiene los títulos de Master en música por computadora y Doctor en Estética, Ciencias y Tecnologías de las artes, en la Universidad de Paris8. Ejerció la docencia en Mar del Plata (Conservatorio Provincial y Escuela de Artes visuales) y en Francia (Universidad de Marne la Vallée). Ha dictado numerosas conferencias y clases magistrales, sobre distintas áreas de su especialidad en Argentina, Alemania, Francia, Holanda, España. Ha publicado artículos sobre diversos aspectos de la composición electroacústica y la video arte. Su Tesis “Las estructuras formales en la música de producción electrónica” publicada por Ediciones Septentrión de Francia, constituye una obra de consulta en diversas universidades de Estados Unidos y Europa. Actualmente se desempeña como compositora y videasta independiente habiendo recibido numerosos premios y encargos en distintos países de Europa, e integrado Jurados internacionales. Sus obras han sido grabadas por Empreintes Digitales de Canadá y en diversas recopilaciones. Es miembro de varias asociaciones internacionales de compositores.

Débris (2003) “Al principio fue el desmoronamiento, la demolición de la fachada de la Casa de la Cultura.

Un golpe, una nube de polvo. La oscilación de una bola en balanceo.

La colisión contra el cemento, el choc, el estallido, los detritus desparramados.

Atmósfera polvorienta dibujando líneas oblicuas en el cielo.

El resto son escombros… de cultura ?” E.J. (Encargo del Imeb)

NACHO FERRANDO. Comienza sus estudios de lenguaje musical y piano en la escuela de música Antón García Abril (Torrelodones). Posteriormente amplía sus conocimientos con Pepita Cervera, Teresina Jordá y Asya Nebolsina. En 2007 obtiene el título de ingeniero en informática por la Universidad Complutense de Madrid, desarrollando como proyecto de fin de carrera el programa Orfeo, un asistente de composición musical. Realiza la música del corto “Siempre mueren los buenos” de Marcos Méndez. Es integrante de los grupos Crisis y The nice people, participando como intérprete y compositor. Como ingeniero informático ha trabajado en el desarrollo de software musical y en el proyecto de radio musical por internet Rockola.fm. Desde septiembre de 2009 cursa estudios de composición en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene).

Destino (2011) “Un viaje a través de la acumulación y la mutación que se obtienen al replicar y desordenar  elementos en el organismo. Un punto de llegada que no podemos variar. Principio de evolución por el que nada vuelve a ser igual.”

VICENTE RAFAEL CARINOLA. Nacido en Alcocer-Valencia en 1965. Formación Musical en el conservatorio de Toulouse con Bertrand Dubedout y en el Conservatorio Nacional Superior de Lyon con Philippe Manoury y Denis Lorrain. Su obra se trata de géneros muy diversos: música de cámara y conjunto orquestal con o sin dispositivos electroacústicos, obras acusmáticas, ópera, instalación sonora, obras multimedia, etc. Junto a su actividad de creación, enseña la composición en el Polo de Enseñanzas Superior de Dijon (PESM). Vive en Lyon (Francia)

Cielo vivo (2006) “Allí todas las formas guardan entrelazadas una sola expresión frenética de avance.” (F. García Lorca, Cielo Vivo, in Tierra y Luna, 1929)

Cielo Vivo se inspira del poema del mismo título de F. García Lorca. Está basada en un trabajo de desfases a partir de una pulsación casi fija, compuesta de una materia sonora cuya forma, timbre, tono, ubicación, etc. constituye una textura polifónica siempre en movimiento. Figuras ambiguas (¿voces?, ¿ruidos?, ¿instrumentos?) puntúan la pieza. La versión original está escrita sobre 8 canales. Cielo Vivo fue encargo del GRM-Ministerio Francés de la Cultura y fue realizada en los estudios del Grame (Lyon-Francce) en el 2006.

DIANA PÉREZ CUSTODIO Nació en Algeciras (Cádiz), en 1970. Actualmente ocupa la cátedra de Composición para Medios Audiovisuales en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Es Doctora en Comunicación Audiovisual. Posee los Títulos Superiores de Solfeo, Piano, Música de Cámara y Composición, así como el Elemental de Oboe. Como compositora, ha recibido encargos del CDMC, Radio Clásica, la Junta de Andalucía, el Parlamento Andaluz, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sus obras han sido estrenadas en diversos Ciclos y Festivales Internacionales, entre los que se encuentran el Festival Internacional des Musiques et Créations Electroniques de Bourges, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Española de Cádiz, el Festival Aujourd´hui Musiques de Perpignan, el Festival Música Viva de Portugal y el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante. Ha estrenado una trilogía de óperas experimentales: Taxi, Fonía y Renacimiento.

Juguetes del viento (2009) (Homenaje a César Manrique)

“César Manrique fue un creador especialmente comprometido con la desintegración de las incómodas barreras que a menudo se han establecido entre el arte y la naturaleza. Un buen ejemplo de ello son las piezas escultóricas de su serie bautizada como Juguetes del viento, muchas de las cuales se encuentran en Lanzarote, su isla natal. Si se contemplan fijamente, su movimiento, cíclico pero a la vez ligeramente cambiante, según las fluctuaciones del aire, produce un efecto hipnótico. Mi obra musical se basa en la elaboración de las experiencias poéticas resultantes de permanecer absorta un buen rato delante de cinco de estas esculturas.” D.P.

MIGUEL MATAMORO. Nace en Valencia el 10 de enero de 1991, al poco tiempo se traslada a Vigo, donde pasa toda su infancia hasta acabar el Bachillerato. Como pianista, comienza a estudiar con Juana Mora, recibiendo clases más tarde de pianistas como Leonel Morales, Piotrk Stanick, Sergei Bedrozny y Andrés Alén, con quien continúa estudiando en la actualidad, las materias de piano, jazz y composición. En diciembre de 2010, inaugura el ciclo de jóvenes intérpretes de la Fundación Mayeusis. En el mundo del jazz comienza a adentrarse gracias a las enseñanzas de Andrés Alén, y Marcos Valcárcel, estudiando más tarde con Adam Holzman, Dave Stryker, Benjamin Healy y Cameron Brown. Toca en distintos encuentros en Vigo, Venecia, Bassano del Grapa, Castelfranco, Nueva York… Como Compositor, Miguel estudia en el conservatorio superior del Pais Vasco (Musikene), de la mano de profesores de gran proyección como Gabriel Ercoreka, Zuriñe Fernandez Gerenabarrena y Ramón Lazkano. Sus obras han sido estrenadas en Fundación Mayeusis, (Vigo, Galicia), en Bassano del Grapa (Italia) y en diversos conciertos en los que el mismo interpreta sus obras.

Piano sketches (2011)

“Psicofonías de un piano. Conversaciones entre la memoria y la máquina viva, versos en ecos de imágenes y olores.” M.M.

STEFANO SCARANI

De formación musical, sus principales maestros han sido Franco Donatoni, Riccardo Sinigaglia y Alvise Vidolin. Miembro colaborador de AGON (Acústica, informática, música) y de AMEE (Asociación de Música Electroacústica de España), en 1993 funda el proyecto Tangatamanu con Alberto Morelli dedicado a la composición y proyectos de música para instalaciones audiovisuales y ambientes interactivos, trabajando especialmente con Studio Azzurro y Peter Greenaway, y colaborando con Peter Cerone, Danio Catanuto y Julia Chiner. Activo en la ejecución de obras electroacústicas en conciertos, teatro e instalaciones multimediales. Es profesor de Sound Design en la Facultad de Design en la Universidad Politécnica de Milano (Italia) y profesor de Composición con medios audiovisuales en la Escuela Superior de Música Musikene, Donostia-San Sebastian (España). Imparte clases y simposios en ámbito universitario y musical. Colabora como compositor y sound design en eventos internacionales con otros autores como Peter Greenaway, Robert Wilson, Luca Francesconi, Victor Rasgado, Moni Ovadia, Roberto Andò, Peter Bottazzi, Michele Tadini en Europa, Estados Unidos, América Latina y Japón.

Selip (2010)

Selip es una composición acusmática cuadrafónica de sonidos sintéticos. Estructurada en cuatro partes más un final, nos propone un recorrido sonoro cambiante y abstracto, caracterizado por dos universos que se superponen: uno orgánico (movimiento 1 y 3) formado por partículas que irrumpen en el paisaje sonoro, atravesándolo y diseñándolo, y otro inorgánico (movimiento 2 y 4) que nos transporta a un espacio suspendido, sin gravitación.

ANNETTE VANDE GORNE

Realiza estudios de música clásica en el Real Conservatorio de Mons y Bruselas con Jean Abril (fuga y composición instrumental). Así mismo, en el Conservatorio Nacional de París estudia composición electroacústica con Guy Reibel y Pierre Scaheffer. Funda “Musique & Recherches” en 1983, asociación dedicada al desarrollo de la música acusmática, la cual desarrolla numerosas actividades, entre las que cabe destacar los festivales acusmáticos “L’espace du son” o la inauguración del acousmonium (una instalación de 80 altavoces). También funda el concurso de composición “Metamorphoses”. Además de todo ello, desarrolla un centro documental virtual www.musiques-recherches.be y ofrece numeroso conciertos acusmáticos, interpretando tanto obras de su creación como otras de compositores de renombre internacional.

En al actualidad imparte clases de composición electroacústica en el Conservatorio de Mons, donde en 2002 creó un departamento dedicado a la electroacústica.

Con su música, Annette Vande Gorne pretende crear un lenguaje musical no anecdótico, abstracto y expresivo. La relación entre el texto y la música supone para ella otro ámbito de investigación. Actualmente está imbuida en la creación de una ópera acusmática con el poeta Werner Lamberse.   

Ce que’a vu le vent d’Est (2003)

Oración Fúnebre por las víctimas civiles de las guerras ideológico-económicas. Dedicada a Hans Tutschku. Realizada en el estudio Métamorphoses d’Orphée, Musiques &  Recherches, Bélgica.

La escritura, las técnicas de composición tan variadas de Debussy encuentran un eco directo en las técnicas de escritura sobre soporte y tratamientos electrónicos del sonido: en su música encontramos en efecto repeticiones circulares de breves células frecuentemente transpuestas con o sin variaciones de velocidad (agudo, rápido, grave, lento), coloridos, contrastes dinámicos, bruscos cambios de velocidad y de tiempo entre las secciones sin transición (montaje catástrofe) incrustaciones de figuras al interno de una trama continua, oposiciones de masas y de movimientos (móvil/tensión,inmóvil/distensión)… Lo podemos escuchar claramente en  Dialogue du vent et de la mer (“El Mar” III Movimiento) Ce qu’a vu le vent d’Ouest,(Séptimo preludio “Préludes pour piano”, primer libro) o Jeu su última obra orquestal.

Todo esto podemos ponerlo seguramente en relación con la relación particular de Debussy con la Naturaleza. Una Naturaleza escuchada en su diversidad de movimientos energéticos y de colores espectrales de un oído musical que no intenta  hacer una descripción anecdótica a través de sonidos, sino de un recorrido de búsqueda de relectura y de transposición de la energía que obran en los fenómenos naturales. La figura de Debussy es tomada como modelo de comportamiento energético y musical, no fuente sonora sino referencia estilística con el fin de instaurar un diálogo a distancia de un siglo. Debussy hubiera participado, sin ninguna duda, de la aventura de la música electroacústica integrando el espacio al interno de los parámetros musicales.

jueves 3 / Marzo 20:30h
Aula Fundacion Caja Vital
ENSEMBLE SINKRO
concierto 25 años laboratorio

*Ignacio Monterrubio, ex-nihilo
flauta y electrónica
*Enrique Vazquez, Kordia
violoncelo y electrónica
*Sofía Martínez, Soñando
piano y electrónica
*Ana Barrio, Aglaura
violín, clarinete bajo y electrónica


Roberto Casado, flauta
Patxi Divar, clarinete
Agustí Coma, violín
François Monciero, violoncello
Alfonso Gómez, piano

Nuevo cd: Electric Landscapes with pigs and piano

Edith Alonso y Antony Maubert son dos músicos procedentes de España y Francia, que se han unido para formar un dúo de improvisación electroacústica experimental desde hace tres años. Han realizado giras por Francia, España, Países Bajos, Irlanda, México y han colaborado con numerosos improvisadores de la escena actual.

Se encontraron juntos por primera vez realizando conciertos de “circuit bending” y utilizando aparatos electrónicos que habían construido ellos mismos. Hoy vuelven a su ordenador con una música electrónica abstracta y una improvisación aun más experimental. Pero el toque siempre sigue  siendo orgánico. Actualmente están presentando Electric Landscapes With Pigs & Piano que es la primera entrega de un proyecto más amplio denominado

Electric Landscapes of Rebellion

Electric Lanscapes With Pigs& Piano se ha estrenado el 18 de febrero en el netlabel petcord.com, se puede descargar gratuitamente aquí:  http://www.petcord.com/releases/pc0211-01-electric-landscapes-of-rebellion-electric-landscapes-with-pigs-piano/

Improvisaciones mezclando síntesis digital y grabaciones de campo en las cuales los sonidos deconstruyen sus propios espacios para proponer semejanzas surrealistas a lo largo de cuatro piezas. Cada una de ellas articula las imágenes metafóricas de unos cerdos y un piano…