Sinkro Festival

sirius

espaciosinkro — Thu, 10 Mar 2011 13:25:59 +0000

sábado 12 / Marzo 20:00h
Escuela de Música Luis Aramburu
SIRIUS
live electronics + improvisation

“SIRIUS” surge en el año 2008 por iniciativa de tres compositores: Alfonso García de la Torre, Ignacio Monterrubio y Guillermo Lauzurika, que decidimos juntarnos para formar un grupo donde hacer música electroacústica en vivo y en interacción con otras disciplinas artísticas, en donde cada miembro del grupo respondiera a las propuestas de los demás, a la manera en que trabaja, por ejemplo, un grupo de jazz.

El espacio donde se define la creación es el ensayo, donde jugamos, respondemos, improvisamos, interactuamos con lo que hacen los demás miembros del grupo, ya sean sonidos, imágenes, movimientos, palabras, luz. A veces partimos de ideas previas, pero otras veces simplemente jugamos. Todos los ensayos se graban, para posteriormente seleccionar lo que funciona y eliminar lo que no. Se habla, se ordena el material y se define la composición y la acción. Por lo tanto la improvisación tiene un papel importante, tanto en el proceso de creación de la obra como en su ejecución en público, ya que aunque la estructura sea cerrada, los tiempos y el desarrollo de la acción son abiertos

Guillermo Lauzurika, sintetizador y sampler
Compositor, pianista, director artístico de grupos de jazz. Ha realizado numerosos proyectos de creación:
composición, electroacústica, instalaciones, música experimental, improvisación, danza. Profesor de electroacústica en Musikene (San Sebastián) y director de la Big Band Berri (Vitoria-Gasteiz), participa y promueve a su vez en numerosas actividades musicales contemporáneas.

Ignacio Monterrubio, max/msp & laptop
Especializado en composición y programación con el entorno de trabajo Max/Msp. En la actualidad trabaja como artista sonoro explorando las diferentes posibilidades dentro del género de la música electroacústica y sus combinaciones con otros estilos y disciplinas artísticas. Forma parte del proyecto Espacio Sinkro, colectivo de artistas y creadores de Vitoria-Gasteiz; del grupo SIRIUS, de música experimental; del comité asesor de la sección musical de “KREA” Expresión Contemporánea; y del proyecto “Laboratorio Sonoro”, donde se integran música, educación y nuevas tecnologías.

Alfonso García de la Torre, sintetizadores analógicos
Gran parte de su trabajo gira alrededor del estudio y análisis del sonido, con el objetivo de aplicarlo tanto en la composición como en la interpretación. Presta especial interés a los procesos de percepción auditiva, a la perspectiva sonora a través de la dimensión espacial y temporal. Surgen de esta forma obras electroacústicas que tratan de exponer estas inquietudes, en ocasiones fruto de la colaboración con otras disciplinas artísticas.

endphase

espaciosinkro — Thu, 10 Mar 2011 13:20:29 +0000

SÁBADO 12 / MARZO 20:00h
Escuela de Música Luis Aramburu
ENDPHASE
live electronics + improvisation

endphase 18 – mixed cities

Esta performance tomará como punto de partida la idea de la interacción llevada al extremo: mientras dos performers estarán en Vitoria realizando la performance ante el público asistente, un tercero enviará en tiempo real datos recogidos durante un paseo por la ciudad austriaca de Linz en el mismo momento de la performance. Estos datos (posición gps, luz ambiente o volumen sonoro) serán utilizados como variables que transformarán y modularán aspectos sonoros y visuales de lo que en el mismo momento se está tocando en Vitoria.

Una proyección a base de diferentes imágenes de los lugares por donde el performer de Linz vaya pasando servirá también de base de sugestión (tanto para el público como para los performers de Vitoria) sobre la que se construirá este discurso de ciudades mezcladas. El material sonoro empleado utilizará una mezcla de sonidos capturados en algunos de los lugares por los que transcurra el paseo de Linz, de sonidos de la ciudad de Vitoria y otros sonidos urbanos menos específicos.

ALBERTO BERNAL Y JOÃO PAIS
ENDPHASE

Endphase: improvisación electroacústica conceptual.
El proyecto Endphase nació en 2003 como iniciativa de los compositores Alberto Bernal, João Pais y Johannes Kreidler, relevado en 2008 por el artista Enrique Tomás. La finalidad principal del proyecto se fundamenta en una búsqueda más allá de cierto tipo de condicionantes musicales tradicionales; junto a aspectos estéticos, también otros de índole estilística o técnica, si es que pueden separarse como tales. A partir de tal impulso, la iniciativa trata de explorar la improvisación electroacústica conceptual como medio en el que determinadas ideas, conceptos y procedimientos artístico-musicales encuentran una vía de realización y superación.
Desde su formación, Alberto Bernal y João Pais han realizado juntos un gran número de performances, instalaciones y talleres en países como Alemania, España, Portugal, Holanda, Hungría, Holanda, Noruega o China.
www.endphase.net

ALBERTO BERNAL. Madrid (1978). Compositor de procedencia clásica y variadas influencias, con trabajos enmarcados cerca del punto de inflexión entre situaciones concertantes tradicionales y otros ámbitos como la instalación o la performance. Estudia Piano y Teoría en Madrid y Salamanca, trasladándose seguidamente a Alemania, donde estudia Composición y Música Electroacústica. Publica regularmente artículos en varios medios y realiza cursos y conferencias sobre composición, estética, análisis, y nuevos medios. Actualmente, compagina la actividad creativa con la enseñanza en el Conservatorio Superior de Música de las Islas Baleares y en el Aula de Músicas en Madrid, centro en el que creó el Aula de Música Experimental.www.albertocbernal.net

JOÃO PAIS (Lisboa, 1976), estudia Composición y Música Electroacústica en Lisboa, Friburgo (Alemania) y Londres con Mathias Spahlinger y Mesías Maiguashca. De 2003 a 2005 fue tutor del Estudio de Música Electroacústica de la Escuela Superior de Friburgo. Participa en cursos y seminarios con Emmanuel Nunes y Salvatore Sciarrino, entre otros. Entre 1997 y 2001 fundó y dirigió, junto a Diana Ferreira y Luís Antunes Pena, las “Jornadas Nova Música” de Aveiro. Actualmente vive y trabaja en Berlín.

Akusma´11

espaciosinkro — Wed, 02 Mar 2011 22:55:37 +0000

PROGRAMA

AKUSMA 11, propuesta singular de luz y sonido, protagonizará el segundo concierto del Festival Sinkro 2011. Una selección de obras acusmáticas del panorama internacional. Cita ineludible para aquellos que quieran descubrir nuevas experiencias perceptivas gracias a un sistema acústico de 16 canales de proyección sonora instalado en el auditorio del Conservatorio.

Elsa Justel

Débris

Nacho Ferrando

Destino *

Vicente Rafael Carinola

Cielo Vivo

Diana Pérez Custodio

Juguetes de viento

Miguel Matamoro

Piano Sketches *

Stefano Scarani

Selip

Annette Vande Gorne

Ce qu’a vu le vent d’Est

* estreno absoluto / estrenaldi nagusia

Zuriñe Gerenabarrena, difusión electroacústica
Fernando Mz. de Eredita, diseño iluminación
Koldo Sagastume, sonorización

ELSA JUSTEL. Nacida en 1944 en Mar del Plata, Argentina, Justel inicia su carrera musical en el Conservatorio provincial de esa ciudad, obteniendo el título de Profesora superior de educación musical y Dirección coral. Mas tarde realiza estudios de Composición en Buenos Aires con los maestros Virtú Maragno, Sergio Hualpa y Eduardo Tejeda y luego de Medios electroacústicos con los profesores José Maranzano y Francisco Kröpfl. Previamente obtiene la Licenciatura en Periodismo y Ciencias de la Comunicación (en la Escuela de Ciencias de la comunicación de Mar del Plata) e incursiona en el campo de las Artes visuales. En 1988 se traslada a Francia donde obtiene los títulos de Master en música por computadora y Doctor en Estética, Ciencias y Tecnologías de las artes, en la Universidad de Paris8. Ejerció la docencia en Mar del Plata (Conservatorio Provincial y Escuela de Artes visuales) y en Francia (Universidad de Marne la Vallée). Ha dictado numerosas conferencias y clases magistrales, sobre distintas áreas de su especialidad en Argentina, Alemania, Francia, Holanda, España. Ha publicado artículos sobre diversos aspectos de la composición electroacústica y la video arte. Su Tesis “Las estructuras formales en la música de producción electrónica” publicada por Ediciones Septentrión de Francia, constituye una obra de consulta en diversas universidades de Estados Unidos y Europa. Actualmente se desempeña como compositora y videasta independiente habiendo recibido numerosos premios y encargos en distintos países de Europa, e integrado Jurados internacionales. Sus obras han sido grabadas por Empreintes Digitales de Canadá y en diversas recopilaciones. Es miembro de varias asociaciones internacionales de compositores.

Débris (2003) “Al principio fue el desmoronamiento, la demolición de la fachada de la Casa de la Cultura.

Un golpe, una nube de polvo. La oscilación de una bola en balanceo.

La colisión contra el cemento, el choc, el estallido, los detritus desparramados.

Atmósfera polvorienta dibujando líneas oblicuas en el cielo.

El resto son escombros… de cultura ?” E.J. (Encargo del Imeb)

NACHO FERRANDO. Comienza sus estudios de lenguaje musical y piano en la escuela de música Antón García Abril (Torrelodones). Posteriormente amplía sus conocimientos con Pepita Cervera, Teresina Jordá y Asya Nebolsina. En 2007 obtiene el título de ingeniero en informática por la Universidad Complutense de Madrid, desarrollando como proyecto de fin de carrera el programa Orfeo, un asistente de composición musical. Realiza la música del corto “Siempre mueren los buenos” de Marcos Méndez. Es integrante de los grupos Crisis y The nice people, participando como intérprete y compositor. Como ingeniero informático ha trabajado en el desarrollo de software musical y en el proyecto de radio musical por internet Rockola.fm. Desde septiembre de 2009 cursa estudios de composición en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene).

Destino (2011) “Un viaje a través de la acumulación y la mutación que se obtienen al replicar y desordenar elementos en el organismo. Un punto de llegada que no podemos variar. Principio de evolución por el que nada vuelve a ser igual.”

VICENTE RAFAEL CARINOLA. Nacido en Alcocer-Valencia en 1965. Formación Musical en el conservatorio de Toulouse con Bertrand Dubedout y en el Conservatorio Nacional Superior de Lyon con Philippe Manoury y Denis Lorrain. Su obra se trata de géneros muy diversos: música de cámara y conjunto orquestal con o sin dispositivos electroacústicos, obras acusmáticas, ópera, instalación sonora, obras multimedia, etc. Junto a su actividad de creación, enseña la composición en el Polo de Enseñanzas Superior de Dijon (PESM). Vive en Lyon (Francia)

Cielo vivo (2006) “Allí todas las formas guardan entrelazadas una sola expresión frenética de avance.” (F. García Lorca, Cielo Vivo, in Tierra y Luna, 1929)

Cielo Vivo se inspira del poema del mismo título de F. García Lorca. Está basada en un trabajo de desfases a partir de una pulsación casi fija, compuesta de una materia sonora cuya forma, timbre, tono, ubicación, etc. constituye una textura polifónica siempre en movimiento. Figuras ambiguas (¿voces?, ¿ruidos?, ¿instrumentos?) puntúan la pieza. La versión original está escrita sobre 8 canales. Cielo Vivo fue encargo del GRM-Ministerio Francés de la Cultura y fue realizada en los estudios del Grame (Lyon-Francce) en el 2006.

DIANA PÉREZ CUSTODIO Nació en Algeciras (Cádiz), en 1970. Actualmente ocupa la cátedra de Composición para Medios Audiovisuales en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Es Doctora en Comunicación Audiovisual. Posee los Títulos Superiores de Solfeo, Piano, Música de Cámara y Composición, así como el Elemental de Oboe. Como compositora, ha recibido encargos del CDMC, Radio Clásica, la Junta de Andalucía, el Parlamento Andaluz, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sus obras han sido estrenadas en diversos Ciclos y Festivales Internacionales, entre los que se encuentran el Festival Internacional des Musiques et Créations Electroniques de Bourges, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Española de Cádiz, el Festival Aujourd´hui Musiques de Perpignan, el Festival Música Viva de Portugal y el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante. Ha estrenado una trilogía de óperas experimentales: Taxi, Fonía y Renacimiento.

Juguetes del viento (2009) (Homenaje a César Manrique)

“César Manrique fue un creador especialmente comprometido con la desintegración de las incómodas barreras que a menudo se han establecido entre el arte y la naturaleza. Un buen ejemplo de ello son las piezas escultóricas de su serie bautizada como Juguetes del viento, muchas de las cuales se encuentran en Lanzarote, su isla natal. Si se contemplan fijamente, su movimiento, cíclico pero a la vez ligeramente cambiante, según las fluctuaciones del aire, produce un efecto hipnótico. Mi obra musical se basa en la elaboración de las experiencias poéticas resultantes de permanecer absorta un buen rato delante de cinco de estas esculturas.” D.P.

MIGUEL MATAMORO. Nace en Valencia el 10 de enero de 1991, al poco tiempo se traslada a Vigo, donde pasa toda su infancia hasta acabar el Bachillerato. Como pianista, comienza a estudiar con Juana Mora, recibiendo clases más tarde de pianistas como Leonel Morales, Piotrk Stanick, Sergei Bedrozny y Andrés Alén, con quien continúa estudiando en la actualidad, las materias de piano, jazz y composición. En diciembre de 2010, inaugura el ciclo de jóvenes intérpretes de la Fundación Mayeusis. En el mundo del jazz comienza a adentrarse gracias a las enseñanzas de Andrés Alén, y Marcos Valcárcel, estudiando más tarde con Adam Holzman, Dave Stryker, Benjamin Healy y Cameron Brown. Toca en distintos encuentros en Vigo, Venecia, Bassano del Grapa, Castelfranco, Nueva York… Como Compositor, Miguel estudia en el conservatorio superior del Pais Vasco (Musikene), de la mano de profesores de gran proyección como Gabriel Ercoreka, Zuriñe Fernandez Gerenabarrena y Ramón Lazkano. Sus obras han sido estrenadas en Fundación Mayeusis, (Vigo, Galicia), en Bassano del Grapa (Italia) y en diversos conciertos en los que el mismo interpreta sus obras.

Piano sketches (2011)

“Psicofonías de un piano. Conversaciones entre la memoria y la máquina viva, versos en ecos de imágenes y olores.” M.M.

STEFANO SCARANI

De formación musical, sus principales maestros han sido Franco Donatoni, Riccardo Sinigaglia y Alvise Vidolin. Miembro colaborador de AGON (Acústica, informática, música) y de AMEE (Asociación de Música Electroacústica de España), en 1993 funda el proyecto Tangatamanu con Alberto Morelli dedicado a la composición y proyectos de música para instalaciones audiovisuales y ambientes interactivos, trabajando especialmente con Studio Azzurro y Peter Greenaway, y colaborando con Peter Cerone, Danio Catanuto y Julia Chiner. Activo en la ejecución de obras electroacústicas en conciertos, teatro e instalaciones multimediales. Es profesor de Sound Design en la Facultad de Design en la Universidad Politécnica de Milano (Italia) y profesor de Composición con medios audiovisuales en la Escuela Superior de Música Musikene, Donostia-San Sebastian (España). Imparte clases y simposios en ámbito universitario y musical. Colabora como compositor y sound design en eventos internacionales con otros autores como Peter Greenaway, Robert Wilson, Luca Francesconi, Victor Rasgado, Moni Ovadia, Roberto Andò, Peter Bottazzi, Michele Tadini en Europa, Estados Unidos, América Latina y Japón.

Selip (2010)

Selip es una composición acusmática cuadrafónica de sonidos sintéticos. Estructurada en cuatro partes más un final, nos propone un recorrido sonoro cambiante y abstracto, caracterizado por dos universos que se superponen: uno orgánico (movimiento 1 y 3) formado por partículas que irrumpen en el paisaje sonoro, atravesándolo y diseñándolo, y otro inorgánico (movimiento 2 y 4) que nos transporta a un espacio suspendido, sin gravitación.

ANNETTE VANDE GORNE

Realiza estudios de música clásica en el Real Conservatorio de Mons y Bruselas con Jean Abril (fuga y composición instrumental). Así mismo, en el Conservatorio Nacional de París estudia composición electroacústica con Guy Reibel y Pierre Scaheffer. Funda “Musique & Recherches” en 1983, asociación dedicada al desarrollo de la música acusmática, la cual desarrolla numerosas actividades, entre las que cabe destacar los festivales acusmáticos “L’espace du son” o la inauguración del acousmonium (una instalación de 80 altavoces). También funda el concurso de composición “Metamorphoses”. Además de todo ello, desarrolla un centro documental virtual www.musiques-recherches.be y ofrece numeroso conciertos acusmáticos, interpretando tanto obras de su creación como otras de compositores de renombre internacional.

En al actualidad imparte clases de composición electroacústica en el Conservatorio de Mons, donde en 2002 creó un departamento dedicado a la electroacústica.

Con su música, Annette Vande Gorne pretende crear un lenguaje musical no anecdótico, abstracto y expresivo. La relación entre el texto y la música supone para ella otro ámbito de investigación. Actualmente está imbuida en la creación de una ópera acusmática con el poeta Werner Lamberse.

Ce que’a vu le vent d’Est (2003)

Oración Fúnebre por las víctimas civiles de las guerras ideológico-económicas. Dedicada a Hans Tutschku. Realizada en el estudio Métamorphoses d’Orphée, Musiques & Recherches, Bélgica.

La escritura, las técnicas de composición tan variadas de Debussy encuentran un eco directo en las técnicas de escritura sobre soporte y tratamientos electrónicos del sonido: en su música encontramos en efecto repeticiones circulares de breves células frecuentemente transpuestas con o sin variaciones de velocidad (agudo, rápido, grave, lento), coloridos, contrastes dinámicos, bruscos cambios de velocidad y de tiempo entre las secciones sin transición (montaje catástrofe) incrustaciones de figuras al interno de una trama continua, oposiciones de masas y de movimientos (móvil/tensión,inmóvil/distensión)… Lo podemos escuchar claramente en Dialogue du vent et de la mer (“El Mar” III Movimiento) Ce qu’a vu le vent d’Ouest,(Séptimo preludio “Préludes pour piano”, primer libro) o Jeu su última obra orquestal.

Todo esto podemos ponerlo seguramente en relación con la relación particular de Debussy con la Naturaleza. Una Naturaleza escuchada en su diversidad de movimientos energéticos y de colores espectrales de un oído musical que no intenta hacer una descripción anecdótica a través de sonidos, sino de un recorrido de búsqueda de relectura y de transposición de la energía que obran en los fenómenos naturales. La figura de Debussy es tomada como modelo de comportamiento energético y musical, no fuente sonora sino referencia estilística con el fin de instaurar un diálogo a distancia de un siglo. Debussy hubiera participado, sin ninguna duda, de la aventura de la música electroacústica integrando el espacio al interno de los parámetros musicales.

concierto 25 años laboratorio

espaciosinkro — Mon, 28 Feb 2011 23:27:13 +0000

jueves 3 / Marzo 20:30h
Aula Fundacion Caja Vital
ENSEMBLE SINKRO
concierto 25 años laboratorio

*Ignacio Monterrubio, ex-nihilo
flauta y electrónica
*Enrique Vazquez, Kordia
violoncelo y electrónica
*Sofía Martínez, Soñando
piano y electrónica
*Ana Barrio, Aglaura
violín, clarinete bajo y electrónica

Roberto Casado, flauta
Patxi Divar, clarinete
Agustí Coma, violín
François Monciero, violoncello
Alfonso Gómez, piano

ELECTRIC LANDSCAPES OF REBELLION

espaciosinkro — Sat, 26 Feb 2011 00:36:02 +0000

ELECTRIC LANDSCAPES OF REBELLION

Nuevo cd: Electric Landscapes with pigs and piano

Edith Alonso y Antony Maubert son dos músicos procedentes de España y Francia, que se han unido para formar un dúo de improvisación electroacústica experimental desde hace tres años. Han realizado giras por Francia, España, Países Bajos, Irlanda, México y han colaborado con numerosos improvisadores de la escena actual.

Se encontraron juntos por primera vez realizando conciertos de “circuit bending” y utilizando aparatos electrónicos que habían construido ellos mismos. Hoy vuelven a su ordenador con una música electrónica abstracta y una improvisación aun más experimental. Pero el toque siempre sigue siendo orgánico. Actualmente están presentando Electric Landscapes With Pigs & Piano que es la primera entrega de un proyecto más amplio denominado

Electric Landscapes of Rebellion

Electric Lanscapes With Pigs& Piano se ha estrenado el 18 de febrero en el netlabel petcord.com, se puede descargar gratuitamente aquí: http://www.petcord.com/releases/pc0211-01-electric-landscapes-of-rebellion-electric-landscapes-with-pigs-piano/

Improvisaciones mezclando síntesis digital y grabaciones de campo en las cuales los sonidos deconstruyen sus propios espacios para proponer semejanzas surrealistas a lo largo de cuatro piezas. Cada una de ellas articula las imágenes metafóricas de unos cerdos y un piano…

ADEMEN

espaciosinkro — Sat, 26 Feb 2011 00:34:31 +0000

Ademen (anteriormente yuaf)

Yolanda Uriz, ﬂautas y procesado de audio.

Ángel Faraldo, instrumentos digitales y difusión sonora.

www.myspace.com/yuaf

Historia

Yolanda Uriz y Ángel Faraldo, han venido explorando y desarrollando diferentes modos de relacionarse con el otro a través de la improvisación desde que comenzaron a trabajar juntos a principios de 2007. Han presentado su trabajo en España (MACUF, CGAC, Cruce, …), Grecia (ElectroMediaWorks Festival 2008, Atenas), Holanda (STEIM, Studio LOOS, Zaal 100, …), los Estados Unidos (SPARK Festival, Minneapolis) y el Reino Unido (Vortex, …)

Su primer trabajo discográﬁco, Villa Ockenburg (2008) (disponible para libre descarga en la netlabel Larraskito ) explora las capacidades expresivas del procesado en vivo de la ﬂauta, creando un instrumento complejo en el que la computadora (Ángel) sólo opera desde los sonidos generados por la ﬂauta (Yolanda), y ésta a su vez es sólo escuchada tras haber pasado por el ﬁltro del otro, creando un sistema de interdependencias ad inﬁnítum. Asimismo, Villa Ockenburg fue un intento de utilizar sonidos grabados (entrevistas, poemas, grabaciones de campo, piezas de música) como contextos emocionales y situacionales a partir de los cuales desarrollar su música.

En la actualidad se encuentran inmersos en la edición y producción de lo que devendrá su segundo trabajo discográﬁco, proyecto para el que conciben el sonido electrónico (generado electrónicamente y/o ampliﬁcado) como el ensamblador de modos de tocar y ﬂuir aparentemente contradictorios: uno físico, el otro —casi— virtual; uno estático y otro pretendidamente dinámico; síntesis estocástica y DSP; música mayormente improvisada y sin embargo estructurada sutilmente por los años trabajando juntos. La partitura: explorar juntos las múltiples evoluciones y sutilezas de un par de ideas no negociadas de antemano: permanecer en una región especíﬁca con una constante sensación de dirección: moverse entre los extremos paradójicos de una limitación austera y deliberada de recursos y la inﬁnidad de posibilidades dentro de dichos límites: sus propios instrumentos: el MISS de Ángel y el sistema de auto-procesado de Yolanda.

Además de su actividad improvisatoria, recientemente han estrenado la obra multimedia Dislocated Frames (Octubre 2010), encargo del Centro Galego de Arte Contemporánea, que supone una exploración de las capacidades expresivas surgidas de la yuxtaposición de distintos medios (sonido acústico y electrónico, iluminación y video).

Info Ademen (Enero 2011)

Biografías

Yolanda Uriz (Pamplona, 1982) tras completar sus estudios musicales en su ciudad natal y posteriormente en La Haya (Holanda), desarrolla su creación musical desde la improvisación, como medio expresivo en el que se desenvuelve con mayor naturalidad. Su instrumento, la ﬂauta y sus sonidos procesados electrónicamente. Como parte de diferentes proyectos con constante actividad performática (Yuaf/Ademen, The Royal Improvisers Orchestra, Nocomotras, Yokorica, Insteng o Modelo62), ha actuado en Holanda, España, Reino Unido, Estados Unidos, Grecia y Bélgica. Actualmente, está introduciendo vídeo en su trabajo y realizando el proyecto InPut con la compañía de danza Dattah. Asimismo, es curadora de la serie de conciertos Wonderwerp (La Haya) tratando de impulsar la improvisación libre, la música electrónica y electroacústica, y otras propuestas multidisciplinares sin suﬁciente espacio para ser presentadas en la sociedad actual.

***

Ángel Faraldo (Ferrol, 1980) es compositor, improvisador y diseñador de instrumentos digitales. Ha estudiado guitarra en el Real Conservatorio de Música de Madrid y sonología en el Koninklijk Conservatorium de La Haya. Como improvisador normalmente utiliza su sintetizador digital MISS, tocando por toda Europa con proyectos como el dúo electroacústico Yuaf/Ademen (ES), los grupos de improvisación Nocomotras (AU/ES), Hermaphrodite (USA/BR/ES/AR) y awry (ES/UK), The Royal Improvisers Orchestra (NL), así como presentaciones de su trabajo en solitario con MISS (I Miss You (2009), editado por la portuguesa friendlyvirus). Como compositor ha escrito música para cortometrajes, cinta, concierto e instalación. Sus proyectos recientes incluyen la instalación sonora interactiva diario de Cualquiera (Madrid, 2007), Apropiación (Madrid, 2006), para coro y electrónica en vivo, FRAME-WORK (La Haya, 2009) para cuatro computadoras y un instrumento acústico, y el proyecto multidisciplinar Koumaria’09 (Atenas, 2009) producido por Medea Electronique (GR).

ENSEMBLE FONOS21

espaciosinkro — Sat, 26 Feb 2011 00:29:13 +0000

Ensemble f o n o s 2 1

Pablo Coello saxofones
Diego Ventoso percusión
Ángel Faraldo electrónica

C O L L A P S E D

Karlheinz Stockhausen Saxophon (1977) saxofón soprano y bongós

Masazuka Natsuda West, or Evening Song in Autumn (1996) saxofón soprano y percusión

Gary Berger Spins (2003) percusión y electrónica en vivo

Ángel Faraldo Estudio sobre Feedback (2010) saxofón alto, bongós y electrónica en vivo

Junghae Lee viv (2005) saxofón barítono y electrónica

Pierre Jodlowsky Collapsed (2007) saxofón soprano, percusión y electrónica

K.H Stockhause está presente en este concierto a través de Saxophon, duo para saxofón soprano y bongo extraído de una de sus óperas dedicadas a los siete días de la semana: Dienstag aus Licht (Martes de la Luz), y en concreto de su acto primero: Jahreslauf (El curso de los años).

De West, or Evening Song in Autumn, su autor, Masazuka Natsuda, nos dice: “Música ritual, la más oriental de las que compuse hasta el momento. A pesar de que fue compuesta con una técnicas complejas (el proceso rítmico de la percusión, el mosaico de modos y tempos, la estructura polimétrica entre el saxofón y la percusión…), esta pieza suena como la música tradicional asiática, especialmente la de Corea.
Contrariamente a los tiempos direccional y físico de mis otras piezas, la música de esta obra se basea en el concepto de tiempo circular o en espiral: el tiempo que se encuentra en la natureza. ‘Evening’ (anochecer) e ‘Autumn’ (otoño) simbolizan el mismo punto sobre las unidades de tiempo circular: el día y las cuatro estaciones. ‘West’ (oeste) es una dirección que se corresponde con ese punto temporal en la antigua filosofía china. Es por lo que se llama ‘West’, a pesar de su carácter oriental. A un nivel más personal, esta obra se conecta con la impresión de la puesta de sol en una visita que realicé a un antiguo templo en Corea do Sur en otoño de 1995”.

El suizo Gary Berger escribió Spins en estrecha colaboración con el percusionista Guy Frisch, representando el deseo de combinar sonoridades electrónicas con los instrumentos de percusión. La obra es parte de una serie de piezas para electrónica en vivo solo del autor, cada una con un instrumento estrechamente asociado a dispositivos electrónicos, donde las características acústicas de la percusión son moduladas por los sonidos electrónicos. “En general, la parte de la electrónica no debe ser escuchada como un segmento independiente de los sonidos de percusión, sino más como una parte integrada del conjunto”. G.B.

El Estudio sobre Feedback, encargo de Ensemble fonos21 al compositor gallego Ángel Faraldo para el Festival Via Stellae 2010, “utiliza realimentación acústica (feedback) como principal elemento sonoro y canal de interacción entre los tres instrumentistas. De este modo, los instrumentos (saxofón y bongós) son explorados por el sistema de amplificación (micrófonos, altavoces), funcionando como cavidades y espacios resonantes que los músicos se encargan de alterar en vivo con sus acciones, mientras que la electrónica en vivo, consistente únicamente en equipamiento de audio analógico, se encarga de modificar las condiciones del feedback, así como de contrarrestar la enorme inestabilidad del sistema”. A.F

Para la suiza de origen coreano Junghae Lee, “el título Viv expresa vitalidad, vivacidad y dinamismo. Tanto el saxofón como la electrónica son fuentes de vitalidad. La electrónica aumenta el sonido del saxofón en muchos aspectos, particularmente en términos de ritmo y armonía, y desarrolla progresivamente su propia vida.

La idea central es la aumentación o ‘multiplicación’: usando unha variedad de procesos multiplicativos, pequeñas partículas sonoras conducen a una variada y variable forma sonora. El instrumento acústico tiene un papel dominante: el saxofón esl a única fonte sonora inicial. La técnica delay es controlada por el saxofonista. La electrónica lanza los sampleados del saxofón, disociándolos gradualmente de su origen e independizándose progresivamente. En la sección central, la electrónica y el saxofón desenvuelven la misma función, un dúo realizando el mismo material sonoro. Los multifónicos (sonidos simultáneos) reales, ejecutados por el saxofón, y los virtuales, ejecutados por la electrónica, generan una real y virtual realidad que coexisten en armonía. Otro aspecto importante de esta pieza es la espacialización del sonido. La distribución espacial del sonido es conseguida por la combinación de aislamiento y movimiento. Esto provoca el contraste entre sonido directo e indirecto, y también la modulación entre solista y ensemble (dúo)”.

El concierto finaliza con Collapsed, del francés Pierre Jodlowsky, obra que da título al espectáculo presentado por fonos21. “Esta pieza habla como tantas veces en mis trabajos, del estado del mundo, del cambio de las conciencias, de la destrucción del espíritu crítico, de una forma de degeneración que limita progresivamente nuestros márgenes de maniobra intelectual.

La música intenta oponerse a este proceso construyéndose en torno a una forma ascendente, en crecimiento, en tensión progresiva, de incremento de energía. Pero el proceso non es lineal: cada parte es un poco más larga que la precedente y parece que una inercia se viene introduciendo en el discurso, como una trampa, imposibilitando el proceso. Además de la metáfora, la escritura está basada en gestos simples, substituciones, cambios, en un tempo sostenido que se traduce en la intensidad que busco a través del acto musical”. P.J
LOS COMPOSITORES

Natsuda, Masakazu

Tokio, 1968
Estudió composición con Jo Kondo, Noda Teruyuki y Nagatomi Masayuki en la Tokyo National University of Fine Arts and Music, y dirección con Kazuyoshi Akiyama en la Universidad Senzoku-Gakuen. Entre 1993-1997 estudió composición con Gérard Grisey y dirección de orquesta con Jean-Sébastien Béreau el Conservatorio Nacional Superior de Música de París.
Recibió el Premio Ataka (1989), Tercer Premio en el Concurso Music Japan (1991), Primer Premio en el Concurso Shin-Kyo (1991) y el Premio Idemitsu Music (1992). También ganó una mención especial del jurado en Goffredo Petrassi (1997), así como el Tercer Premio de la Fundación Internacional de Jóvenes Directores de Oriente (1997) y el Premio Akutagawa (2002).
Su música fue interpretada por el Ensemble Court-Circuit, Ensemble 2e”m, la Dutch Radio Symphony Orchestra, el Ensemble Intercontemporain, la NHK Symphony Orchestra Ensemble, la Tokyo City Philharmonic e la Tokyo Symphony Orchestra.
Desde 1998 es profesor de composición y teoría de la Tokyo National University of Fine Arts and Music ,de la Universidad Toho Gakuen, la Universidad de Nihon y la Universidad de Música Kunitachi.

Gary Berger

Baden (Suiza), 1967

Estudió percusión en la “Musikhochschule Zürich (Zurich Escuela de Música), donde se especializó en música contemporánea y la interpretación de actuaciones con electrónica en vivo. Desde 1994 hasta 1995 estudió composición en París con Julio Estrada en la UPIC (Unidad Polyagogique Informatique du
CEMAMU), y, posteriormente con de Gerald Bennett y Daniel Claus en la Escuela de Zúrich
Music. Recibió su diploma de composición de la “Hochschule Musik und Theater Zürich ‘ en 2002. Ha asistido a cursos de composición y seminarios dirigidos por Iannis Xenakis, Michael Jarrell, Salvatore Sciarrino, Chaya Czernowin y Luca Francesconi. Estudió música electrónica en el Centro Suizo para la computadora y Música y llevó a cabo el trabajo práctico en el IRCAM de París. Él es ante todo un compositor para grupos instrumentales y electrónicos. Ha sido profesor de electrónica en vivo en el Zurich Escuela de Música y Arte Dramático desde 2001, y dado conferencias como invitado en la Academia Franz Liszt de Música de Weimar y la “Musikhochschule Luzern”. Berger Gary es
el fundador y miembro del grupo electro-acústico STROM NOTSTROM. Fue director de la ‘Klangturm’ de Andreas Bosshard en la EXPO. 02, Biel Arteplage, y el director artístico de la serie de conciertos ‘Música Moderna’ en Wädenswil. El trabajo de Gary Berger incluye composiciones para instrumentos solistas y conjuntos, con o sin electrónica. Ha actuado en Suiza, Alemania, Austria, Bélgica, Luxemburgo, Italia, Argentina, Francia, Suecia, España, Brasil, Portugal, Corea, China, Canadá, Estados Unidos y Australia.
Ha recibido encargos de Pro Helvetia (Suiza Fundación de Cultura), Lucerna Festival, Tage für Neue Musik de Zurich, el “Europeäischen Musikmonats de Basilea y la ciudad de Zurich, entre otros. En 1999 y 2001 fue ganador del premio de la CIMESP (Concurso Internacional de Música Electroacústica de São Paulo) Brasil. Recibe en el 2004 una beca de la Fundación ” Binz39 und des Kantons Girones”. En 2005 sigue el “für Werkjahr Komposition der Stadt Zurich”. En 2006 es Compositor en Residencia en el Institut International de Musique Electroacústica de Bourges (IMEB), Francia.En 2007 continúa en la für “Förderpreis Komposition des Kantons Grisones”. En 2008 por encargo del “Festival de Lucerna”.
Vive y trabaja como compositor independiente en Zurich.
Ángel Faraldo

Ferrol, 1980.

Compositor, improvisador y diseñador de instrumentos digitales. Estudió guitarra en el Real Conservatorio de Música de Madrid e sonología en el Koninklijk Conservatorium de La Haya.

Como improvisador normalmente utiliza su sintetizador digital MISS, tocando por toda Europa con proyectos como el dúo electroacústico Yuaf (con Yolanda Uriz), el cuarteto Nocomotras (con Mike Majkowski, Laura Altman y Yolanda Uriz), The Royal Improvisers Orchestra, así como con presentaciones de su trabajo en solitario con MISS (I miss you -2009- editado por la portuguesa friendlyvirus).

Como compositor ha escrito música para cortometrajes, cinta, concierto e instalación. Sus proYectos recIentes incluyen la instalación sonora interactiva Diario de Cualquiera (Madrid, 2007); Apropiación (Madrid, 2006), para dos narradores procesados por ordenador, coro Y música pregrabada; FRAME-WORK (La Haya, 2009) para cUatro computadoras y una fuente sonora; el o proyecto multidisciplinar Koumaria (Atenas, 2009) producido por Medea Electronique (GR).

Junghae Lee

Tokio, 1964.

De nacionalidad Coreana, estudió composición con Byung Dong Paik en la Universidad Nacional de Seúl y posteriormente participó en masterclasses con Isang Yun y Toru Takemitsu. En 1991 se trasladó a Basilea, donde estudió música electrónica e clave en la Musik-Akademie de Basilea. La realización de una serie de piezas electrónicas reflejan su búsqueda decidida por unos medios de expresión que definan su propio lenguaje.

Tras una fase de intensa actividad en la música electroacústica, retomó su interés por la composición instrumental. Sonidos especiales y una alta expresividad caracterizaran su trabajo, con o sin elementos electrónicos.
Sus piezas fueron interpretadas en diversos conciertos y festivales de música contemporánea, tales como el ISCM World Music Days, International Computer Music Conference , Gaudeamus Music Week, Synthese de Bourges, Asian Compositores League, Pan Music Festival de Seúl, etc.

Pierre Jodlowski

Toulouse, 1971.
Después de sus estudios musicales en el Conservatorio de Lyon y los cursos de composición en el IRCAM, Pierre Jodlowski fundó el colectivo éOle y el festival Novelum de Toulouse. Su obra como compositor está presente en Francia y en el extranjero en la mayoría de salas dedicadas a la música contemporánea, y también en circuítos paralelos de danza, teatro, artes visuales y música electrónica. Su trabajo se desenvuelve en muchas áreas, e alrededor de su universo musical trabaja la imagen, la programación interactiva para instalaciones y la escenografía. Reivindica la práctica de la música “activa”: en su dimensión física (gestos, energías, espacios) y psicológica (evocación, memoria, dimensión cinematográfica). En paralelo a sus composiciones, realiza también performances, solo o con otros artistas.
En sus proyectos ha colaborado con los ensembles Intercontemporain, Ictus, KNM, el Ensemble Orchestral Contemporain, el nuevo Ensemble Moderne de Montreal, Ars Nova, Proxima Centauri, y colaboraciones con músicos como Jean Geoffroy, Cedric Jullion, Wilhelm Latchoumia, Jeremy Siot y trabaja en trío junto a Roland Auzet (percusión) y Michel Portal (clarinete baijo). Su trabajo sobre la imagen lo lleva a colaboraciones con los artistas plásticos Vincent Meyer, David Coste y Alain Josseau. También trabaja con el escenógrafo Christophe Bergon en diversos proyectos en la intersección del teatro, de la instalación, del concerto o del oratorio.
Recibió encargos del IRCAM, del Ensemble Intercontemporain, del Ministerio de Cultura de Francia, del CIRM, del GRM, del Festival Donaueschinge, de Radio France, del Concurso de Piano de Orleans, del GMEM, del GRAME, de la Fundación SIEMENS, del proyecto europeo INTEGHRA…Premiado en numerosos concursos internacionales, ganó el Premio Claude Arrieu de la SACEM en 2002 y fué artista residente en la Academia de las Artes de Berlín en 2003 y 2004. Sus obras y performances son difundidas en los principales centros dedicados a las artes sonoras contemporáneas en Francia, Europa, Canadá, China, Japón, Taiwán y Estados Unidos.

LOS INTÉRPRETES

Ensemble fonos21, agrupación dedicada a la interpretación y creación de música clásica contemporánea, se presenta en esta ocasión en formación de trío (Pablo Coello, saxofones; Diego Ventoso, percusión; Ángel Faraldo, electrónica). Sus espectáculos, y los programas que los configuran, se caracterizan por el aprovechamiento de los espacios escénicos y por un gran dinamismo y creatividad sonora y visual. Con una amplia actividad tanto individual como de ensemble, tienen realizado numerosos conciertos, participando en festivales y congresos, y organizando diferentes actividades, siempre apostando especialmente por las nuevas creaciones de compositores gallegos (Fernando Buide, Ángel Faraldo, Jacobo Gaspar, Jesús González, Xabier Mariño, Antón Pulido, Eduardo Soutullo y Ramón Souto), y también españoles e internacionales (Germán Alonso, Gabriel Erkoreka, David del Puerto, Eckart Beinke, José Luís Campana, Christophe Havel, Kevin Mayo, Pedro Moreira, Luca Mosca, Helmut Oehring y Pedro Rebelo).

Como estructura dedicada a la difusión y creación de música contemporánea, diseñan para el CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela) MÚSICA Y ARTE: CORRESPONDENCIAS SONORAS, un ciclo de conciertos relacionados con las exposiciones del museo.

Pablo Coello.

Vigo, 1969.

Medalla de Oro en Saxofón e Cuarteto de Saxofóns, Medalla Bermeille en Música de Cámara Contemporánea polo CNR de Burdeos (Francia) con Marie Bernadette Charrier e Jean Marie Londeix

Realiza numerosos concertos con diferentes agrupacións de cámara o como solista, siendo miembro de Ensemble Fonos21, S@X21-Cuarteto de Saxofóns y Ensemble Vertixe Sonora, actando con el artista sonoro portugués Paulo Raposo y el compositor y artista digital Pedro Rebelo, realizando conciertos en Francia, España, Italia y Portugal, participando además en diversos congresos y festivales. Ha colaborado con la Real Filharmonía de Galicia, Ensemble Nuevo Contemporáneo, Sigma Project y Drumming PG de Oporto, y asiduamente en performances con el artista Gonzalo Pérez del Castillo. Con Ensemble Atmosphère publicó un CD con obras de Xenakis, Nodaïra, Rossé e Hoffman.

Actualmente es profesor de saxofón y del Taller de Música Contemporánea del CSM de A Coruña.

Diego Ventoso Fernández

Vilanova de Arousa (Pontevedra)

Cursa sus estudIos superiores en el Conservatorio Superior de Vigo con el profesor Carlos Castro e los amplía en la Escola Superior de Música e Artes Escénicas de Oporto con Miguel Bernat , en el Conservatorio Superior de Castellón con Josep Vicent y en el The Peabody Conservatory of Music de la The Johns Hopkins University en Baltimore (USA) con Robert Van Sice y Jonathan Haas. También recibe clases de percusionistas como Tom Freer (The Cleveland Orchestra), Chris Lamb (New York Philharmonic) y Markus Leoson (Solista Internacional). Asiste a cursos impartidos por profesores como L.H. Stevens, R.Van Sice , E. Sejourne , Cinccinatti Percussion Trio , J. Putjens, A. Lipner, A. Loguin, M. Rosen , S. Shick , D. Samuels , P. Yancich ,… entre otros.

Realiza conciertos como solista y formando parte de diferentes agrupaciones camerísticas y orquestrales como Trío Drummedarios , Cannes Ensemble , Taller instrumental del CGAC , Grupo de Percusión de la Jonde , Grupo de Percusión de la ESMAE , The Peabody Percussion Group, The Peabody Symphony Orchestra , Orquesta Sinfónica de Bilbao, Real Filharmonía de Galicia , Orquesta Sinfónica de Galicia, Xoven Orquestra de Galicia , Banda Sinfónica de Galicia, … llevando a cabo el estreno y grabación de numerosas obras y participando en festivales como a Homenaje a Tom de Leeuw (Holanda), Festival del Royaumont (Francia), Bard College Music Festival (USA), Festival de Música de Espinho (Portugal), Nits d’ Aielo i Art (Valencia), Via Stellae (Galicia), II Convención Nacional de Percusión (Valencia). Actualmente, forma parte del Ensemble Fonos21 y Vertixe Sonora.

Obtiene el Premio de Honor Fin de Carrera en el Conservatorio Superior de Vigo (1997), el primer puesto con una Mención de Honor del jurado en el Concurso de Juventudes Musicales de España (Bocairent,1999) y gana ex aequo el III Ciclo de Jóvenes Intérpretes organizado por la Fundación Pedro Barrié de la Maza (1999).

Recibió becas de estudios de la Diputación de Pontevedra e d e la The Johns Hopkins University.

Como profesor ha realizado a su labor profesional en el Conservatorio Superior de A Coruña y en el Conservatorio Profesional de Lugo, además de impartir cursos de verano en Galicia.

Ángel Faraldo

Ferrol, 1980.

Compositor, improvisador y diseñador de instrumentos digitales. Estudió guitarra en el Real Conservatorio de Música de Madrid e sonología en el Koninklijk Conservatorium de La Haya.

Tuba Xtension

espaciosinkro — Sat, 26 Feb 2011 00:18:32 +0000

Xtended Tuba – Tuba Xtensión

Ramon Gorigoitia

Canto submerso (2009-10)

Tuba & Live-Electronic

N.A.Huber

Solo mit Koonstück (2001)

Tuba and playback

Melvyn Poore

A Note on the Tuba (2010)

Tuba & Lve-Electronics

Melvyn Poore

One, Two, Three (1976)

Tuba & Delay System

Bojidar Spassov BOJIDAR SPASSOV

Fiato Continuo V (2005)

Tuba & Live-Electronic

Melvyn Poore

Tubassoon (1979)

Amplified, prepared Tuba

Melvyn Poore : Tuba

Ramón Gorigoitia. Live-Electronic

Notas de programa:

Canto submerso (2010)

Ramón Gorigoitia

El lirismo natural propio al canto y al lenguaje de ciertas especies de catáceos de diversas latitudes, genera un discurso musical caracterizado por diversas periodicidades rítmicas propias al canto de las ballenas con una amplia paleta de sonoridades tales como: ronquidos, llantos, gemidos, silbidos, ladridos, quejidos, estupros, chasquidos, sonidos guturales y otras emisiónes foniátricas de dificil descripción. Además destacan una considerable variedad de portamenti presentes en algunos episodios recopilados.

La transcripción de ciertos segmentos de estos cantos y su aplicación a la tuba genera dos estratos, superponiéndose e interactuando en forma continua.

La necesidad imperiosa de proteger a las ballenas como una de las especies en peligro de extinción y la búsqueda de un lenguaje común a ambas especies, como un hecho ontológico natural, nutre la convicción de encontrar esferas comunicativas mediante un lenguaje profundo y sensible.

Obra compuesta en directa colaboración con Melvyn Poore

(Ramón Gorigoitia)

SOLO mit Koonstück (2000)

Nicolaus A. Huber

SOLO mit Koonstück es una obra surgida en colaboración con el tubista Melvyn Poore y forma parte de mis 14 obras solísticas. La obra consta de 14 tonos modulados mediante dedajes de llaves enarmónicos variando su timbre. Los detallados golpes de diafragma adicionales y el ritmo se densifican a una polifonía de tres sonidos.

La idea de atravesar algo, cual vetas que recorren una pared de piedra, nos conduce por una al comienzo abierta y en su transcurso cada vez más oculta linea cromática descendiente hasta el tono más grave de la pieza, rompiendo la relación de superficie en el sentido de un alejamiento extremo de una música original implícita en la obra. Esto abarca una anécdota musical hilarizante sobre un soporte electrónico de material ajeno a gran volumen, hasta sonidos susurrados acariciando en „pppppp“ un gran animal de peluche como un artículo de (Jeff) Koon cuasi en silencio absoluto, pretendiendo aludir el hermetismo de los estilos avantgardistas, contraponiendo nuevos colores, densificaciónes y contenidos.

(Nicolaus A. Huber)

A Note on the Tuba (2010)

Melvin Poore

Suelo recorrer a menudo un mismo sendero. En varias ocasiones me he sorprendido observando algo aparentemente nuevo, a pesar de encontrarse allí hace mucho tiempo. Poco a poco fuí comprendiendo que esta observación refleja mi propio estado interior, aquello que en ese momento me interesa y que concierne a procesos y estructuras que

me procupan en forma inminente se hacen presentes.

‘A Note on the Tuba’ es un camaleón musical. Podría ser igualmente ‘A Note on the Trumpet’ o bien ‘A Note on the Violin’. Puede ser con o sin electrónica en vivo. Las diversas versiones pueden fundirse en una nueva ya sea horizontal o verticalmente. Las variaciones son multiformes y permiten diversas versiones de un concierto a otro, al igual que mis caminatas son cada vez diferentes. En esta versión han sido utilizados 5 Ringmodulatoren que modulan el sonido inicial en una serie de Glissandi transformando continuamente su timbre. (Melvyn Poore)

One, Two, Three (1976)

Melvyn Poore

Compuse „One, Two, Three“ en 1976 para Tuba y un sistema de Delay de cinta magnetofónica. En aquel tiempo era una proeza accionar 2 aparatos de cinta magnetofónica alternadamente de tal forma que hiciesen correr una sola cinta. Este tipo de problemas mecánicos pudieron ser superados recién con la técnica digital. Entre tanto la tecnología nos ha permitido realizar cosas que en ese entonces ni siquiera soñábamos. Hoy en día un Delay es un programa trivial accesible a cualquier computador. El material musical contempla un grupo de tres tonos articulados en una segunda menor y una cuarta justa. Esta estructura se combina en si misma obteniéndose grupos cada vez más largos. En la sección central de la obra este proceso es combinado con un proceso de transposición hasta aparecer todos los tonos. A continuación le sigue una prolongación en doce etapas produciendo una serie de acordes. (Melvyn Poore)

Fiato continuo V (2005)

Bojidar Spassow

Un Sample de materiales extraidos de una danza bulgara asimétrica y muy difundida en compas de 7/16 conforma el fundamento sonoro de la estructura de esta pieza. El soporte elctrónico genera estructuras canónicas al discurso de la tuba. Mientras la retícula de tiempo se mantiene estable se produce debido a la asincronía métrica y a un paulatino aumento de la expresividad sugestivos efectos de crescendo. En contraste con el material del soporte electrónico de las partes anteriores (I – IV) extraidos de instrumentos autóctonos, en Fiato continuo V se basa en las sonoridades de la Tuba. El absurdo resultante del movimiento circular, afin a la danza mecionada, es reasaltado mediante la utilización de sonidos muy graves para el rasante metro elegido. El furioso e impulsivo movimiento colapsa en las erupciones de los pasajes solísticos de la tuba. Un folklorismo llevado a su extremo manifiesta de este forma su contraste.

La obra está dedicada a Melvyn Poore, quien programó el movimiento de las sonirdades en el espacio utilizando el programa Max msp.

(Bojidar Spassow)

Tubassoon (1979)

Melvyn Poore

En Tubasoon la tuba es transformada, sacándole las válvulas e instalándole micrófonos en las salidas descubiertas. Las señales provenientes de los micrófonos son repartidas mediante los altavoces en el espacio. La embocadura de la tuba es reemplazada por una de doble lengueta de Fagot (Fagot en ingles = Basoon). El resultado es que la sonoridad de la Tuba es totalmente diferente a la usual. Además quedan al descubierto nuevos aspectos de espacialidad y rítmicos del instrumento.

(Melvyn Poore)

Reziclonk

espaciosinkro — Fri, 25 Feb 2011 23:58:36 +0000

MIERCOLES 2 – SÁBADO 12 MARZO
Escuela de Artes y Oficios
REZICLONK
instalación sonora

Reziclonk es una instalación de la compañía Turukutupá, donde se recuperan materiales de desecho para crear una serie de instrumentos sonoros, y que el propio público sea quien experimente con las posibilidades de los diferentes materiales. A partir de todo tipo de elementos de dudosa utilidad, hemos construido un parque temático de objetos inertes que toman vida en una segunda oportunidad.

INSTALACIÓN SONORA
INTERACTIVA RECICLADA

Instalación: conjunto de cosas instaladas, puestas, tiradas. Mobiliario urbano. Intervención de calle. Elemento plástico cotidiano. Escultura acústica.

Sonora /sonido: ondas provocadas por el movimiento vibratorio de un cuerpo. Sonidos graves, distantes, fuertes o crudos. Descubrir las posibilidades sonoras y aprender en la escucha.

Interactiva: el público actúa sobre las esculturas. alo suena cuando mueves, tocas frotas o golpeas. experimentar con el movimiento, la resonancia, la distancia. Jugar a descubrir lo posible.

Reciclada: se reutiliza cualquier objeto desechable. Desperdicios, basura y residuos de vertederos, trasteros y chatarrerías. Aquí no se tira nada.

www.myspace.com/turukutupa

Fleur Inverse

espaciosinkro — Thu, 28 Jan 2010 23:33:49 +0000

sábado 27 / Febrero – 20:00
Artium
FLEUR INVERSE
medieval music + improvisation + live electronics

Programa
Obras de Kaija Saariaho, Guillaume de Machaut, Adam de la Halle, Gyorgy Ligeti and others

Estelle Boisnard, voice, flute, bagpipe
Cédric Piromalli, keyboards,
Jean Baptiste Réhault, saxophones & oboe
Grégoire Lorieux, electronics &guitars

El festival se clausura en Artium con Fleur inverse, un proyecto musical que reúne artistas procedentes de estilos musicales diversos: música medieval, electroacústica y jazz. Este grupo confronta prácticas musicales de procedencias diversas, trabajando en sus conciertos el espacio sonoro mediante una formación variable, una disposición instrumental móvil y la electroacústica en tiempo real.
+info
http://www.myspace.com/fleurinverse